Look and Fashion

enero, 2014

30ene 14

Valentin Yudashkin P/V 2014

Navegando por Pinterest, ese tesoro de imágenes que conforma la red social, me llamó la atención una de las tantas fotografías de moda que aparecen en el menú principal de manera aleatoria. Sobre la etiqueta rezaba: Valentin Yudashkin, Spring/Summer collection. Muy pocas referencias tenía, por no decir ninguna, de este diseñador presumiblemente ruso. Pero los tejidos, los colores y las prendas en sí, bien merecían una investigación en toda regla para descubrir si el pin que despertó mi curiosidad, formaba parte de un repertorio igual de cautivador.

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Algo de interesante debía tener pues Valentin Yudashkin (Moscú, 1963), está reconocido como el diseñador más popular de Rusia y el primero en ingresar en el Sindicato de la Alta Costura de París. No hay duda de que es menos mediático por estos lares -al menos de momento- que otros compatriotas suyos que pisan fuerte, pero hay que destacar que ha desfilado tanto en Milán como en Londres y actualmente presenta sus colecciones prêt-à-porter en la semana de la moda de la capital francesa.

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La colección de la próxima temporada está caracterizada por piezas de sastrería en clave femenina -chaquetas amplias y de hombros marcados- que con brillantes tejidos, están dirigidas más bien a una mujer que va de cóctel y no a la oficina. Ha trabajado con una paleta de colores que va desde el azul klein, pasando por el amarillo, el verde esmeralda, el oro y el blanco.

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El propio diseñador definía a qué tipo de mujer viste: “Es una mujer femenina y sexy, a pesar de que siempre tiene que demostrar que tiene una personalidad fuerte. Tiene confianza en sí misma, es independiente e inteligente”.

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Cuando Rusia se abría a nuevas ideas a finales de los ochenta, Yudashkin empezó a tomar relevancia. Vestía a Raisa Gorbachev, la esposa del entonces presidente, creó su primera colección y abrió su primera tienda en Moscú.

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 A la izquierda,  mono de Valentín Yudashkin. A la derecha, campaña de Versace de los años 90

A principios de los noventa comenzó a viajar a otras capitales de la moda. En aquel entonces, Versace saboreaba las mieles del éxito. Quizás lo que vivió en aquel periodo se grabó en su retina y le inspiró a la hora de crear estas prendas que nos recuerdan al logo de la Medusa y al Greek Key que tanto gustaba a Gianni.

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YUDASHKIN DE NOCHE

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A medida que la noche avanza y la etiqueta cambia, los vestidos tienden al barroquismo y aparecen lujosos bordados con perlas, cristales y cuentas, vestigios de alguien que trabajó la Alta Costura hasta 1997.

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Después de más de dos décadas en la moda, Yudashkin atesora un emporio que incluye además del prêt-à-porter, moda nupcial, joyas, y una línea para el hogar.

 

Fuente y fotos: Style, Fashionising y Valentin Yudashkin.

Recomiendo leer: St Tropez con las claves para hacer buenas fotografías de Street Style & Paz Solís con la nueva campaña fotografiada por Mario Testino.

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29ene 14

Cita con la moda flamenca en SIMOF 2014

Con la llegada de la primavera arrancan las ferias y romerías típicas del sur de España. Pasarela espontánea de mujeres anónimas que engalanan el albero de los recientos feriales con sus favorecedores trajes, batas, faldas y vestidos. Aunque en Andalucía hay mucha gente que confecciona el traje de flamenca bien para sí misma o para sus hijas o nietas, hay numerosos talleres y negocios que viven del traje regional. Antiguamente para conocer las novedades en el sector, era necesaria la visita al taller o acudir de manera directa a los puntos de venta. Desde hace dos décadas, hay un lugar que nos lo pone fácil. Es el Salón Internacional de la Moda Flamenca, SIMOF, que a partir de mañana jueves celebra su vigésima edición y se consolida así como el mayor punto de encuentro de diseñadores, firmas, profesionales y empresarios del mundo de la artesanía y la moda flamenca.

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Organizado por el Palacio de Exposiciones y Congresos de Sevilla y la Agencia Doble Erre, el evento contará con 32 pasarelas, 43 diseñadores y firmas, así como un Certamen de Diseñadores Noveles, que en conjunto presentarán más de 1.300 vestidos exclusivos a lo largo de sus 4 días de duración.

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Para conocer las últimas novedades alegóricas al traje regional de Andalucía la muestra acogerá, además de los desfiles, una zona expositiva de empresas de diversos sectores que van desde los trajes de flamenca hasta las últimas aportaciones textiles, zapatos, bisutería, castañuelas o mantones.

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 Presentación de la vigésima edición de SIMOF 2014

Aurora Gaviño, Nuevo Montecarlo, Margarita Freire, Aldebarán, Rocío Peralta o Juana Martín son algunos de los creadores de moda flamenca que presentarán sus propuestas de cara a la inminente temporada. La veterana diseñadora Lina, además de ofrecer sus novedades en la pasarela, recibirá el Premio Trayectoria por su largo recorrido en la moda.

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Según relata la organización, este año se distinguirá asimismo a la Duquesa de Alba con el premio “Flamenco en la Piel”, “por su implicación en este Salón desde sus inicios y por su apoyo al sector de la moda flamenca”.

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Por otra parte, SIMOF 2014 apela a la solidaridad. Por este motivo, el próximo día 1 de febrero tendrá lugar la Pasarela Benéfica en favor de la Asociación Española contra el Cáncer.

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En su vigésimo aniversario, SIMOF 2014 contará  con la participación de Eva González, Patricia Yurena -Primera Dama de honor en Miss Universo 2013-, Jessica Bueno y Elisabeth Reyes como modelos invitadas.

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 © SIMOF 2014 

Datos de interés:

Salón Internacional de la Moda Flamenca, SIMOF 2014

Del 30 de enero al 2 de febrero de 2014

Palacio de Exposiciones y Congresos de Sevilla

Horario: J/V/S de 11 a 22 horas. Domingo de 11 a 21 horas.

Entrada: 5 euros por persona entrada acceso al recinto y zona de exposición y 10 euros por persona por entrada a las pasarelas.

Fuente y fotografías: SIMOF y FIBES Sevilla. Fotos 1, 2 , 4, 5 y 6 de ediciones anteriores de SIMOF.

Recomiendo lecturas de: MC Mademoiselle Chic en Complementos, la clave del éxito &  Quién es la más bella? con el post sobre la primera tienda L’oréal en Madrid.

 

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28ene 14

Charles James: El gran desconocido en la moda

Se consideraba artista más que modista. Visionario y precursor del New Look de Dior. Desarrolló su capacidad creativa a través de diseños esculturales y de grandes volúmenes, y se convirtió en un auténtico ingeniero textil de aquellos vestidos de fiesta que lucían las damas más influyentes de la época. Charles James creaba trajes pensando no tanto en sus clientas, más bien trabajaba con la filosofía de que algún día sus creaciones serían expuestas en vitrinas de museo como verdaderas obras de arte. A los 36 años de su muerte, el británico recibe el reconocimiento que maniobró desde sus comienzos en la costura, con la exposición que el Costume Institute del Museo Metropolitano de Nueva York acogerá el próximo mes de mayo. Descubrimos al primer couturier de América.

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Foto de Charles James y Austine Hearst, 1947

Inicios

Charles James (Camberley, Inglaterra, 1906) comenzó el oficio como sombrerero en Chicago a finales de los años 20. Si bien no tenía una formación en moda en su sentido más estricto, años más tarde da el salto a la confección de vestidos, aplicando algunas de las técnicas que empleaba para crear sombreros.

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Charles James retoca uno de sus vestidos. © Cecil Beaton, 1948

Obra y técnica

A finales de los 40 y principios de los 50, James vivió su momento más prolífico, presentando con éxito sus colecciones en París para luego establecer su taller de forma permanente en Nueva York. Confeccionaba a mano capas ribeteadas de pieles y bordados, abrigos de satén, sombreros e incluso ropa de niños, pero es en sus trajes largos de fiesta donde encontraremos sus mayores logros. Era un virtuoso con la tela que manipulaba de una forma verdaderamente dramática. Faldas y vestidos victorianos, cinturas de avispa, drapeados…las prendas de James parecían cobrar vida. Cristóbal Balenciaga diría: “Es el mejor y el único couturier del mundo”, mientras que Christian Dior describiría sus diseños como “poéticos”.

Considerado el primer arquitecto de la moda, James empleaba una compleja técnica en la confección con ricos tejidos como el satén, la seda o el terciopelo. Asimismo, no escatimaba en recursos  para lograr el efecto deseado -una falda podía tener hasta 22 metros de tela- y hacía cálculos matemáticos para distribuir de la forma más cómoda los 8 kilos de peso que podían tener sus vestidos.

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© Cecil Beaton, 1948

Vestidos estrella

La flora y la fauna inspiraron sus diseños, algunos de los cuales fueron bautizados como Mariposa, Pétalo, Cisne o el Trébol de 4 hojas, que fue calificado por el propio couturier como “su obra maestra”.

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Modelo “Trébol de 4 hojas””

Perfeccionista

Su afán de perfeccionismo rozaba los límites de lo absurdo. Sus compradoras podían esperar días, meses y años para la entrega de un pedido. En esa búsqueda incansable por la excelencia, podía gastar grandes sumas de dinero trabajando en la culminación de una manga, tomarse 12 años para finalizar un traje o, rizando el rizo, provocar que la clienta se quedara la noche de la fiesta sin lucir su traje de gala, porque el modelo aún no estaba como a él le gustaba. El coste, el tiempo y el trabajo que todo esto suponía, unido a sus escasas dotes para la gestión, fueron el motivo de la corta existencia de su compañía.

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Homenaje

A lo largo de 50 años de carrera Charles James solo creó un millar de prendas, 100 de las cuales serán expuestas en la retrospectiva que bajo el título, Charles James: Beyond fashion, tendrá lugar en el Costume Institute del Met Museum de Nueva York a partir del próximo mes de mayo.

Si bien en 1978, año de su muerte, los vestidos de James formaban parte de las colecciones de 31 museos a nivel internacional, el alcance mediático de la gala que cada año inaugura la exposición de moda del Metropolitan, contribuirá sin duda a que el nombre de Charles James sea conocido por el público del siglo XXI como lo que fue: El primer creador de alta costura de América.

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Vestido Pétalo. 1951. Arizona Costume Institute © Ken Howie

Fuentes documentales y fotos: Arizona Costume Institute, Metropolitan Museum, Harper’s Bazaar, Voguepedia y Youtube.

Recomiendo leer en Look & Fashion: Discovering Miguel Alex firmado por Tu look habla y Recorriendo New York City de la mano de Paz Solís.

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23ene 14

Y el frasco se hizo bolso

Dicen que en la moda está ya todo inventado. Y que no hay una fórmula secreta que explique la popularidad o el éxito de ventas de un producto. Quizás los bolsos de corte surrealista no son nada nuevo en el mercado. Pero cuando la varita del káiser apunta, es difícil que el objeto del hechizo no alcance notoriedad. Claro está que llevar Chanel como sobrenombre y que figuras como Alexa, Anna o Rihanna luzcan tus bolsos, ayuda. Y este es el caso del último objeto de culto de la firma francesa.

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El pasado mes de mayo Singapur fue el escenario de excepción del debut del nuevo accesorio. Allí, sobre la pasarela, dentro de la presentación de la línea Crucero 2014, las modelos exhibían rígidos bolsitos de mano que con forma de un familiar frasco de perfume, captaron la atención del público.

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Elaborado en pexiglás y adornado con cadena entrelazada, la pieza de excepción es un homenaje a la botella minimalista del perfume más vendido de todos los tiempos: Chanel No.5. El clutch es por tanto, una réplica en resina del icónico frasco diseñado por Ernst Beaux en colaboración con Coco Chanel y el último éxito de la firma de Rue Cambon.

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“He estado diseñando para Chanel durante muchos años, pero nunca pensé usar la botella del No.5 como bolso. Creo que es mono”. (Karl Lagerfeld en Vogue)

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Los amantes de la firma tienen dos opciones para elegir. Por un lado, el modelo transparente con la cinta blanca engarzada a la cadena característica de la casa, y por otro un diseño más discreto en color negro opaco. Funcionales o no, el precio en el mercado ronda los 6 mil euros. Para los manitas como Alana, del blog Dream, create, hay una explicación detallada aquí de cómo hacer el clutch del momento. Porque a fin de cuentas, no todas nos llamamos Alexa, Anna o Rihanna.

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(Nota: La mayor parte de estas fotografías han sido tomadas en la Semana de la Alta Costura de París. El citado bolso ha sido captado por los fotógrafos en tan numerosas ocasiones, que nos planteamos lo siguiente: ¿Coincidencia o premeditado plan de marketing? ¿Objeto personal o regalo e interés de las marcas en generar una mayor exposición de sus productos? Recomiendo el artículo de Max Berlinger en Business of Fashion sobre lo que está ocurriendo en el fenómeno denominado Street style).

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Fuente y fotos: Nam para Grazia Italia, Tommy Ton para Vogue y Stylesnooperdan.

Recomiendo lecturas de: Los fantásticos jerséis de Con M de moda y el estilo del Festival de Sundance de Fashion Mix.

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22ene 14

Lanvin cumple 125 años

Para entender el presente, nada mejor que conocer el pasado. Y el pasado de Lanvin, que el próximo mes de febrero celebra su 125 aniversario, está repleto de vivencias y anécdotas que han ido conformando la historia de la firma a lo largo de los años.

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Backstage del desfile Otoño/Invierno 2013 de Lanvin

Con el objeto de dar a conocer el legado de su fundadora, Jeanne Lanvin, la atelier parisina ha puesto en marcha una serie de iniciativas que cuentan con la tecnología como soporte principal y que representan el punto de partida de los festejos que prepara la casa de modas francesa, actualmente bajo la batuta de su director creativo, Alber Elbaz.

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Detalle de un bordado, 1927. @Patrimoine Lanvin

Lanvin en las redes sociales

Facebook

Desde el inicio del año la cuenta oficial de Facebook de la casa publica documentación sobre algún aspecto histórico que nos aproxima a la vida y obra de Madame Lanvin y lo intercala con otros acontecimientos más recientes. Como ejemplo, tomamos nota de lo publicado en el muro el pasado 10 de enero:

“En 1889 Jeanne Lanvin fundó su casa de modas en la esquina de la calle Boissy d’Anglas y la calle Faubourg Saint-Honoré. El éxito como diseñadora de sombreros la condujeron a lanzar su propio negocio. Mademoiselle Lanvin diseñó los sombreros de las mujeres parisinas más elegantes de la época.” @ Lanvin Patrimoine.

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 Pinterest

Bajo el nombre Lanvin Paris, la firma acaba de estrenar registro en Pinterest y gracias a los recién creados tableros temáticos podremos conocer datos y fotografías de los archivos de la maison. Hasta el momento se han creado 6 boards correspondientes a Jeanne Lanvin, su hija Marguerite Blanche, Le bleu -referido al color favorito de la couturiere-, Lanvin hats y un último tablero con imágenes y explicaciones del logo de la marca.

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Instagram

Cada jueves, desde la cuenta oficial de Instagram, @Lanvinofficial, se mostrará una fotografía inédita del estudio de Jeanne Lanvin situado en el número 22 de Rue Faubourg St. Honoré de París. En el cuartel general todo se conserva tal y como lo mantenía su fundadora, desde vestidos, revistas, libros o muebles.

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Oficina de Jeanne Lanvin, 1936. @Roger Schall

Web

Por último, y por lo que respecta a la página web de la firma, se ha creado un apartado especial que con el título, Lanvin Heritage recogerá a partir del próximo mes, vídeos, fotografías e ilustraciones que exponen sus 125 años de historia y que son un anticipo a la muestra que la casa prepara para el próximo año 2015.

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Robe Trianon, 1925. @Patrimoine Lanvin. #Lanvin125

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“Nuestra ropa no grita, nuestra ropa susurra. Por eso toma un poco más de tiempo. No todo el mundo la escucha a la primera, pero cuando la escucha, le llega a lo más hondo”.  (Alber Elbaz)

Fuente y fotos: Lanvin, Facebook Lanvin, Pinterest Lanvin Paris, Instagram @LanvinOfficial

Recomiendo lecturas de: Con M de moda y los looks de alfombra roja y Tu look habla con el post Fashion News.

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20ene 14

Campañas: La sofisticada primavera de Michael Kors

Hace apenas un mes hemos recibido el invierno y las firmas de moda comienzan a desvelar sus propuestas publicitarias de cara a la próxima temporada. Michael Kors, el patrón de la firma norteamericana que combina de manera exitosa el lujo con el estilo deportivo, acaba de presentar su campaña correspondiente a la Primavera-Verano de 2014.

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El diseñador de Long Island, que tiene la virtud de conseguir la distinción absoluta con prendas simples de fondo de armario, ha apostado para su próxima colección por colores neutros como el beige, el azul marino o el blanco, demostrando con maestría por qué es el máximo exponente del casual wear.

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“Cuando el tiempo empieza a tornarse más cálido, nuestra actitud se vuelve más relajada e incluso un poco más romántica. Quise jugar con esa idea de un momento romántico acariciado por el sol”.  (Michael Kors)

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Así explica el diseñador el concepto que ha querido transmitir en esta serie de fotografías, para las que ha contado una vez más con el bagaje de Mario Testino. En esta ocasión, los modelos Karmen Pedaru y Simon Nessmon recrean la atmósfera casual y sibarita que impera en la estética de la firma, para mostrar tejidos fluidos, camisas ligeras, faldas de seda y el sensual vestido camisero.

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Aunque todo hay que decirlo, la responsabilidad de que los informales outfits de Kors estén dotados de una sofisticación única se debe, en gran medida, a los accesorios. No en vano el diseñador y juez del programa de moda, Project Runway, ha sido calificado como “el rey de los complementos”. Y es que Michael Kors no sería lo mismo sin los bolsos estructurados con vistosos remates y muchos menos sin los aclamados relojes en versión maxi. Codiciados por todas aquellas que quieren ir a la última y accesorio de cabecera de tantas egobloggers, esta temporada la preciada máquina para medir el tiempo combina el dorado de la pulsera con los colores intensos de la esfera, entre los que destacan el azul neón y el azul tinta.

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La compañía estadounidense, que inició su desarrollo en 1981 y entró en España en el año 2010, cuenta ya con 9 espacios propios en territorio español.

Fuente y fotos: Michael Kors

Recomiendo lecturas de: Los anillos midi de Mis dudas de moda y Los nuevos retos de Five St Tropez.

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16ene 14

Biblioteca de moda: “The style, inspiration and life of Oscar de la Renta”

Oscar de la Renta tuvo claro que si iba a dedicarse a la costura, sería para embellecer a la mujer y resaltar su feminidad. Lejos de sucumbir a las modas del momento y tras medio siglo derrochando elegancia y atemporalidad a través de sus prendas, el diseñador dominicano es protagonista de la última novedad de la casa Assouline. La editorial de lujo lanzará un volumen actualizado de la primera versión de la obra que, sobre la vida y trayectoria del modista, se publicase en 2002. La periodista Sarah Mower ha añadido nuevos datos, fotografías icónicas e imágenes del archivo personal del couturier, que ponen de manifiesto su largo recorrido por el mundo de la moda.

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A lo largo de más de 200 páginas y 160 ilustraciones, “The style, inspiration and life of Oscar de la Renta”, recoge detalles del universo de la Renta: Desde los inicios como aprendiz en Balenciaga y Lanvin, hasta su salto a Nueva York para trabajar en Elizabeth Arden. De su despegue al frente de su firma homónima, a su triunfo en París diseñando alta costura. En el compendio tienen cabida prestigiosas figuras del lente, como Steven Meisel, Peter Lindbergh, Richard Avedon o Bert Stern.

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Además del apartado dedicado íntegramente a la moda, se suman asimismo otros capítulos que desvelan notas más íntimas del maestro, como aquellos testimonios que descubren su afición por la jardinería, el canto o el dominó o el recorrido en imágenes por sus residencias de Nueva York, Connecticut y Punta Cana respectivamente.

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Anna Wintour, la editora de Vogue Usa que declaró una vez a Vanity Fair: “Oscar hace ropa que emana respeto por la mujer”, no solo mantiene una larga y estrecha amistad con el modista, asimismo es la autora del prólogo de esta obra, de donde extraemos la siguiente cita:

“Oscar comprende a la perfección quién es y a quién viste. Nunca ha tratado de ser avant-garde o rebuscado. Simplemente hace buena ropa. Nunca demasiado sexy, pero atractiva, colorida y femenina“.

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“Oscar de la Renta: The style, inspiration and life”

Editorial Assouline

Fecha de publicación: 25 de febrero de 2014

208 páginas

Precio en la web de Assouline: 92 euros. Oferta de lanzamiento vía Amazon: 32 euros.

Fuentes y fotografías: Assouline y Amazon.

Recomiendo lecturas de: Sobre las maneras de coger un bolso, no dejéis de leer “Handbags”, firmado por Tu look habla y un análisis sobre la etiqueta y “dress code” en las alfombras rojas de España, os recomiendo visitar el blog Moda en Serie.

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14ene 14

Micaela Erlanger, la estilista a la sombra de Lupita Nyong’o

Lupita llegó, vio y deslumbró. Nominada a un Globo de Oro por su papel en la película, 12 años de esclavitud, la joven actriz keniata tuvo su particular momento capa en la alfombra roja la noche del pasado domingo. Dejando a un lado el logro profesional que implica el reconocimiento a su incipiente labor como actriz, su aparición en la red carpet la ha catapultado al grupo de potenciales iconos de moda. Pero  ¿quién está detrás de la elección de un vestido?  ¿Qué tan importante es un buen consejero a la hora de seleccionar un atuendo?

Erlanger y Nyong'o

@ Twitter oficial Micaela Erlanger

Detrás del vestido rojo de seda con capa y hombros al descubierto, no solo está Ralph Lauren, el diseñador que firma la aclamada prenda, sino también el ojo de Micaela Erlanger. Considerada una de las estilistas más prometedoras de Nueva York, Erlanger es la responsable de los looks de Nyong’o desde que la nueva estrella de Hollywood acudiese a la asesora de imagen en busca de ayuda para su guardarropa.

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Graduada en Diseño y Gestión de empresas de moda en la escuela Parsons, Erlanger relataba recientemente al periódico del centro de estudios, su mecánica de trabajo cuando se enfrenta a un nuevo cliente: “Hago mucha investigación. Busco y analizo fotografías y deduzco lo que le queda bien, su tipo de cuerpo, los colores y qué formas le quedarán mejor.” Una vez tiene contacto directo con la persona que contrata sus servicios, la clave reside en dar con su personalidad. “Es importante conocer su forma de ser, las inseguridades, lo que le emociona. Los colores y diseñadores que le gustan, si es arriesgado o más bien conservador, su estado de ánimo y la naturaleza del evento.” Y en una frase, la estilista resume y justifica su fórmula: “El estilo es  personal. No se trata de vestir a una modelo para una sesión de fotos”.

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Queda claro pues, que aquí nada es espontáneo o se deja al azar. Que la justa o fallida elección de un look para lucir en una gala puede colocar a la aspirante en el punto de mira de publicaciones y firmas de moda (Lupita debutará como imagen de Miu Miu en su próxima campaña) o mandar a la joven promesa a la papelera de reciclaje. Y en el caso que nos ocupa, los coloridos y sobrios outfits de Lupita son aptos para su pase a la fama.

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Y no olvidemos que la estilista también gana. Es probable que dentro de poco veamos cómo Erlanger aumenta su modesta cartera de famosas -la actriz de Downtown Abbey, Michelle Dockery, es otra figura incluida en su portafolio-.

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Puede que su legión de followers en Twitter esté lejos del millón de seguidores de Rachel Zoe, la mediática estilista que cuenta con Jeniffer Lawrence entre sus clientas. Pero para Erlanger nada es imposible. Por algo Edith Head, la célebre diseñadora de vestuario, ha sido siempre su fuente de inspiración: “Puedes conseguir cualquier cosa en la vida si te vistes para ello”.

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Fuentes y fotografías: Micaela Erlander, 560, Pinterest, House of Erlanger.

Recomiendo lecturas de: Ainamagina y “Me, myself and I”  & Tu look habla con su post “La última modulación de la moda”.

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07ene 14

Los dibujos de Mat Gustafson para Dior

Hubo un tiempo en el que la ilustración de modas fue el principal vehículo publicitario de las maisons parisinas. Antes de la irrupción de la fotografía, un elegante trazado en papel -representando una prenda, una marca o un producto- formaba parte de las estrategias de comunicación de las firmas, que veían en los bocetos una excelente vía para dar a conocer sus novedades en el mercado.

El vínculo de Christian Dior con los ilustradores de moda es tan antiguo como años tiene la propia casa. René Gruau, considerado su más influyente ilustrador hasta la fecha, realizó auténticos anuncios de la época, comenzando en 1947 con la imagen de Miss Dior y sumando numerosas colaboraciones a lo largo de su carrera.

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Si bien la imagen fotográfica tuvo más fuerza y dio pie al declive de la ilustración como medio publicitario, esta sigue vigente al ser el recurso elegido por el diseñador para plasmar las ideas que preceden a su colección y hoy está considerada como una manifestación artística en toda regla.

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El veterano ilustrador de modas, Mat Gustafson, ha realizado recientemente a petición de la maison Dior, una serie de dibujos de looks vistos en las últimas colecciones de Raf Simons, que suponen una reinterpretación de las propuestas del diseñador belga al frente de la firma francesa.

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A través de acuarelas y pasteles, el artista sueco recurre a la abstracción y recrea a través de modelos sin rostro, las prendas de aires minimalistas concebidas por Simons para las colecciones de invierno y resort 2013.

“Me gusta el sentido de pureza y modernidad de Raf. Tiene muchas referencias de Dior y las emplea sin nostalgia. Tiene una conversación pura e intelectual con la casa Dior y me intriga su visión”.  (Mat Gustafson en AnotherMag).

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Gustafson, (Suecia, 1951) que comenzó su carrera a finales de los setenta y reside desde hace más de dos décadas en Nueva York, tiene un abultado portafolio de dibujos, compuesto fundamentalmente por campañas para firmas como Tiffany & Co., Hermés o H&M, así como ilustraciones para eminentes publicaciones de moda a nivel internacional.

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Fuentes y fotos: Página oficial Mats Gustafson, Another Mag, Stylelite.

Recomiendo lecturas de: Orquídea radiante de Amparo Fochs y las rebajas de Fashion Mix.

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02ene 14

El legado de Elsa Schiaparelli sale a subasta en París

Si bien llevamos un par de años escuchando el nombre de Elsa Schiaparelli con insistencia, 2014 no iba a ser menos. Por un lado representa el regreso de la firma fundada en 1927 en París por la couturier italiana y por otro, es el momento elegido por Christie’s para sacar a subasta objetos y prendas de la colección privada de la que está considerada como una de las grandes artistas de la moda del siglo XX.

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Torera rosa de la colección P/V 1940

Gracias a la iniciativa de la actriz Marisa Berenson, nieta de la propia Schiaparelli y coincidiendo con los desfiles de la alta costura en París, la casa de subastas pondrá a la venta el próximo 23 de enero unos 190 lotes entre prendas de vestir, bocetos, fotografías, muebles y objetos decorativos que pertenecieron a la diseñadora de modas.

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Foto de Schiaparelli por Horst P. Horst, 1937

En palabras de Pat Frost, director del Departamento de moda de Christie’s, “Elsa trajo una visión única de las cosas ordinarias, convirtiéndolas en algo realmente inusual. Tenía un fantástico sentido del color, pasión absoluta por lo artesano y un toque de genialidad. La selección es una muestra de la forma de vida de un icono del diseño”.

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Provocadora, inconformista y poco familiarizada con el término convencional, Elsa Schiaparelli impregnó grandes dosis de imaginación y fantasía a ese medio de expresión que es la indumentaria, vistiendo a las mujeres más chic de principios del siglo XX.

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Blusa amarilla con adorno floral en blanco y negro. 1940

Jean Cocteau, Marcel Duchamp, André Breton, Man Ray o Salvador Dalí formaban parte de su círculo de amistades. Influenciada por la corriente del momento, Schiaparelli adaptó el surrealismo a la moda y experimentó con telas y materiales poco ortodoxos en aquel entonces. Plásticos transparentes, insectos de juguete, pelo animal, cremalleras, adornos y grafismos inusuales formaban parte del conjunto de recursos que la diseñadora empleaba para darle teatralidad a las prendas. El sombrero-zapato y el vestido langosta son dos de sus obras más representativas.

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Rival de Coco Chanel, fue pionera en el concepto de colecciones temáticas y en el fashion show como espectáculo. Trajo el color a la costura incorporando el celeste, el rojo, el morado o el schoking pink -el rosa chocante- a sus creaciones.

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Conjunto de caftanes, Túnez

Se trasladó a NY durante la II Guerra Mundial y a principios de los 50 regresa a París y echa el cierre a su tienda. Schiaparelli decide dejar paso a la nueva generación de couturiers, cuando Dior o Balenciaga figuraban como los nombres del momento.

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Bolero y torera de H. Cornejo. Madrid, 1930

¿Conseguirá el nuevo director creativo, Marco Zanini que la firma vuelva a brillar tras su letargo? Estaremos pendientes del inminente debut del italiano. En pleno siglo XXI, debe suponer todo un reto devolver el esplendor a una casa de modas que vivió su apoteósis creativa en el período de Entreguerras.

Fuente y fotos: Christie’s, Met Museum.

Recomiendo lecturas de:

Blogs de IQ nulo que nos propone Tu look habla y Mariposas Volvoreta de Mis dudas de moda.

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Soy Rocío, licenciada en Periodismo. Estoy al frente de este "perchero de estilo" en donde pongo en funcionamiento mis dos motores: la moda y la comunicación. Gracias por la visita. Más sobre Rocío

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